Η μορφή του Ιησού είναι μία από τις πιο εμβληματικές στην ιστορία. Η τέχνη γύρω από την εικόνα του Ιησού Χριστού έχει εξιδανικευτεί τόσο από ερασιτέχνες καλλιτέχνες όσο και από μεγάλους δασκάλους. Πώς είναι δυνατόν να απεικονιστεί στον καμβά μια μορφή που είναι ταυτόχρονα εντελώς ανθρώπινη και εντελώς θεϊκή; Αυτού του είδους η καλλιτεχνική τόλμη είναι κάτι που αξίζει ακόμη και να τολμήσει κανείς να επιχειρήσει. Οι καλλιτέχνες που ζωγράφισαν στη χριστιανική παράδοση έκαναν ακριβώς αυτό εδώ και δύο χιλιετίες.
Ας δούμε τους 10 πιο διάσημους πίνακες του Ιησού σε όλη την ιστορία, σύμφωνα με την κατάταξη που έκαναν οι ειδικοί γνωστών γκαλερί
Ο Μυστικός Δείπνος – Λεονάρντο Ντα Βίντσι
Ο πιο διάσημος πίνακας του Ιησού Χριστού είναι αναμφίβολα Ο Μυστικός Δείπνος του Λεονάρντο Ντα Βίντσι. Το έργο αναπαριστά την τελευταία συνάντηση του Πάσχα μεταξύ του Ιησού και των αποστόλων του, με βάση τη διήγηση που περιγράφεται στο Ευαγγέλιο του Ιωάννη, κεφάλαιο 13. Ο Ντα Βίντσι φαντάστηκε και κατάφερε να εκφράσει την επιθυμία που στοιχειώνει το μυαλό των αποστόλων να μάθουν ποιος προδίδει τον Δάσκαλό τους. Ζωγραφίστηκε στα τέλη του 15ου αιώνα ως τοιχογραφία στους τοίχους της τραπεζαρίας της Μονής Santa Maria delle Grazie στο Μιλάνο. Οι τοιχογραφίες δημιουργούνται συνήθως με την εφαρμογή χρωστικής ουσίας σε intonaco, ένα λεπτό στρώμα υγρού ασβεστοκονιάματος. Αυτή είναι συνήθως η καλύτερη τεχνική που χρησιμοποιείται, καθώς επιτρέπει στην τοιχογραφία να αντιμετωπίσει τη φυσική αναπνοή ή εφίδρωση που κάνει ένας τοίχος καθώς η υγρασία κινείται προς την επιφάνεια. Ωστόσο, στον Μυστικό Δείπνο, ο Ντα Βίντσι αποφάσισε να χρησιμοποιήσει ελαιοχρώματα επειδή το υλικό αυτό στεγνώνει πολύ πιο αργά, επιτρέποντάς του να δουλέψει την εικόνα με πολύ πιο αργό και λεπτομερή τρόπο. Ο Ντα Βίντσι γνώριζε ότι η φυσική υγρασία που διεισδύει μέσα από τα περισσότερα κτίρια με πέτρινους τοίχους θα έπρεπε να στεγανοποιηθεί αν χρησιμοποιούσε ελαιοχρώματα, αλλιώς η υγρασία θα κατέστρεφε τελικά το έργο του. Έτσι, ο καλλιτέχνης πρόσθεσε ένα διπλό στρώμα από γύψο, στόκο και πίσσα για να καταπολεμήσει τη φθορά της υγρασίας. Παρόλα αυτά, το έργο τέχνης χρειάστηκε να αποκατασταθεί πολλές φορές στη μακρά ιστορία του και ελάχιστα πράγματα έχουν απομείνει από το αρχικό ανώτερο στρώμα του λαδομπογιάς.
Η Μεταμόρφωση του Σωτήρος – Ραφαήλ
Η Μεταμόρφωση του Ραφαήλ είναι το τελευταίο έργο του μεγάλου αναγεννησιακού καλλιτέχνη Ραφαήλ, το οποίο παραγγέλθηκε από τον καρδινάλιο Τζούλιο ντε Μεδίκους της τραπεζικής δυναστείας των Μεδίκων. Το έργο τέχνης σχεδιάστηκε αρχικά για να κρεμαστεί ως το κεντρικό τέμπλο του καθεδρικού ναού της Ναρμπόν στη Γαλλία και τώρα κρέμεται στην Πινακοθήκη του Βατικανού στην πόλη του Βατικανού. Μετά τον θάνατο του Ραφαήλ, ο πίνακας δεν στάλθηκε ποτέ στη Γαλλία και ο καρδινάλιος αντ’ αυτού τον κρέμασε στον κεντρικό βωμό της εκκλησίας του Μακαριστού Αμαντέους του San Pietro στο Montorio της Ρώμης το 1523. Ωστόσο, το 1797 ο πίνακας καταλήφθηκε από τα γαλλικά στρατεύματα στο πλαίσιο της ιταλικής εκστρατείας του Ναπολέοντα και στη συνέχεια κρεμάστηκε στο Λούβρο. Ο πίνακας μπορεί να θεωρηθεί ότι αντικατοπτρίζει μια διχοτόμηση στο πιο απλό επίπεδο: τη λυτρωτική δύναμη του Χριστού, που συμβολίζεται από την καθαρότητα και τη συμμετρία του άνω μισού του πίνακα. Αυτή έρχεται σε αντίθεση με τις ελλείψεις του ανθρώπου, που συμβολίζονται στο κάτω μισό με σκοτεινές και χαοτικές σκηνές.
Η Μεταμόρφωση σχετίζεται με διαδοχικές ιστορίες από το Ευαγγέλιο του Ματθαίου. Το πάνω μέρος του πίνακα απεικονίζει τον Χριστό υψωμένο μέσα σε κυματιστά και φωτισμένα σύννεφα, με τους προφήτες Ηλία και Μωυσή εκατέρωθεν του. Στο κάτω μέρος του πίνακα απεικονίζονται οι Απόστολοι που προσπαθούν ανεπιτυχώς να απελευθερώσουν το δαιμονισμένο παιδί από τους δαίμονες. Στο επάνω μέρος απεικονίζεται ο μεταμορφωμένος Χριστός, ο οποίος φαίνεται να επιτελεί θαύμα, θεραπεύοντας το παιδί και απαλλάσσοντάς το από το κακό. Οι διαστάσεις της Μεταμόρφωσης του Σωτήρος είναι κολοσσιαίες, 410 x 279 cm. Ο Ραφαήλ προτιμούσε να ζωγραφίζει σε καμβά, αλλά ο πίνακας αυτός φιλοτεχνήθηκε με ελαιοχρώματα πάνω σε ξύλο ως επιλεγμένο μέσο. Ο Ραφαήλ έδειξε στην πραγματικότητα προχωρημένες ενδείξεις μανιερισμού και τεχνικών από την περίοδο του μπαρόκ σε αυτόν τον πίνακα.
Οι στυλιζαρισμένες και παραμορφωμένες πόζες των μορφών του κάτω μισού υποδηλώνουν μανιερισμό. Η δραματική ένταση μέσα σε αυτές τις μορφές και η γενναιόδωρη χρήση του φωτός και του σκότους, ή οι αντιθέσεις chiaroscuro, αντιπροσωπεύουν την υπερβολική κίνηση της περιόδου του μπαρόκ για την παραγωγή δράματος, έντασης, πληθωρικότητας ή φωτισμού. Στην πραγματικότητα, η Μεταμόρφωση του Σωτήρος ήταν μπροστά από την εποχή της, όπως ακριβώς και ο θάνατος του Ραφαήλ, ο οποίος ήρθε πολύ νωρίς. Αυτός θα ήταν ο τελευταίος πίνακας του Ραφαήλ, πάνω στον οποίο θα εργαζόταν μέχρι τον θάνατό του τον Απρίλιο του 1520. Ο καθαρισμός του πίνακα από το 1972 έως το 1976 έδειξε ότι μόνο μερικές από τις μορφές κάτω αριστερά είχαν ολοκληρωθεί από βοηθούς, ενώ το μεγαλύτερο μέρος του πίνακα ήταν έργο του ίδιου του καλλιτέχνη.
Η Τελευταία Κρίση – Μιχαήλ Άγγελος
Η Τελευταία Κρίση του Μιχαήλ Άγγελου βρίσκεται στον τοίχο πίσω από το ιερό στην Καπέλα Σιξτίνα. Η απεικόνιση της Δευτέρας Παρουσίας του Χριστού στην «Τελευταία Κρίση» προκάλεσε άμεση διαμάχη από την Καθολική Εκκλησία κατά τη διάρκεια της Αντιμεταρρύθμισης. Ο Μιχαήλ Άγγελος επρόκειτο να ζωγραφίσει το τέλος του χρόνου, την αρχή της αιωνιότητας, όταν ο θνητός θα γίνει αθάνατος, όταν οι εκλεκτοί θα ενωθούν με τον Χριστό στο ουράνιο βασίλειό του και οι καταραμένοι θα ριχτούν στα ατελείωτα βασανιστήρια της κόλασης. Κανένας καλλιτέχνης στην Ιταλία του 16ου αιώνα δεν ήταν σε καλύτερη θέση για το έργο αυτό από τον Μιχαήλ Άγγελο, το τελευταίο έργο του οποίου σφράγισε τη φήμη του ως ο μεγαλύτερος δάσκαλος της ανθρώπινης μορφής, ιδίως του ανδρικού γυμνού. Ο Πάπας Παύλος Γ’ το γνώριζε καλά αυτό όταν κατηγόρησε τον Μιχαήλ Άγγελο ότι ξαναζωγράφισε τον τοίχο του βωμού του παρεκκλησίου με τη Μυστική Κρίση. Με επίκεντρο την ανάσταση του σώματος, αυτό ήταν το τέλειο θέμα για τον Μιχαήλ Άγγελο.
Η ισχυρή σύνθεση επικεντρώνεται στην κυρίαρχη μορφή του Χριστού, που αποτυπώνεται τη στιγμή πριν από την εκφώνηση της ετυμηγορίας της Μυστικής Κρίσης. Η ήρεμη και επιβλητική χειρονομία του φαίνεται να καλεί την προσοχή και να κατευνάζει την περιρρέουσα ταραχή. Στην εικόνα αρχίζει μια ευρεία αργή περιστροφική κίνηση στην οποία συμμετέχουν όλες οι μορφές. Εξαιρούνται οι δύο ανώτερες σεληνάδες με ομάδες αγγέλων που πετούν τα σύμβολα των Παθών (αριστερά ο Σταυρός, τα καρφιά και το ακάνθινο στεφάνι- δεξιά ο στύλος της μαστίγωσης, η σκάλα και η λόγχη με το σφουγγάρι που έχει ποτιστεί με ξύδι).
Στο κέντρο του κατώτερου τμήματος βρίσκονται οι άγγελοι της Αποκάλυψης που ξυπνούν τους νεκρούς με τον ήχο μακρών σαλπίγγων. Στα αριστερά, οι αναστημένοι ανακτούν τα σώματά τους καθώς ανεβαίνουν στον ουρανό (Ανάσταση της Σάρκας), στα δεξιά άγγελοι και δαίμονες παλεύουν να κάνουν τους καταραμένους να πέσουν στην κόλαση. Τέλος, στο βάθος ο Χάροντας με τα κουπιά του, μαζί με τους δαίμονές του, αναγκάζει τους κολασμένους να εγκαταλείψουν τη βάρκα του για να τους οδηγήσει μπροστά στον κολασμένο δικαστή Μίνωα, το σώμα του οποίου είναι τυλιγμένο στις σπείρες του φιδιού.
Η αναφορά σε αυτό το μέρος στην Κόλαση της Θείας Κωμωδίας του Δάντη είναι σαφής. Εκτός από τους επαίνους, η Τελευταία Κρίση προκάλεσε επίσης σφοδρές αντιδράσεις μεταξύ των συγχρόνων. Για παράδειγμα, ο τελετάρχης Biagio da Cesena δήλωσε ότι «ήταν το πιο ανέντιμο πράγμα σε έναν τόσο τιμητικό χώρο να έχουν ζωγραφιστεί τόσες πολλές γυμνές μορφές που επιδεικνύουν την ντροπή τους τόσο ανέντιμα και ότι δεν ήταν έργο για παπικό παρεκκλήσι αλλά για σόμπες και ταβέρνες». Οι διαμάχες, οι οποίες συνεχίστηκαν για χρόνια, οδήγησαν το 1564 στην απόφαση της Συνόδου του Συμβουλίου του Τρέντο να καλυφθούν ορισμένες από τις μορφές της Κρίσης που θεωρήθηκαν «άσεμνες».
Το έργο της ζωγραφικής των καλυπτικών κουρτινών, γνωστών ως «braghe» (παντελόνια), ανατέθηκε στον Daniele da Volterra, γνωστό στη συνέχεια ως «braghettone». Τα «braghe» του Daniele ήταν μόνο τα πρώτα που κατασκευάστηκαν. Στην πραγματικότητα, τους επόμενους αιώνες προστέθηκαν αρκετά ακόμη.
Ο Χριστός μεταφέρει το σταυρό – Ελ Γκρέκο
Κατά τη διάρκεια της μακροχρόνιας καριέρας του στην Ισπανία, ο Ελ Γκρέκο δημιούργησε πολυάριθμους πίνακες με τον Χριστό να φέρει τον σταυρό. Ο Χριστός που μεταφέρει τον σταυρό είναι μια εικόνα της τέλειας ανθρωπότητας. Το έργο διακρίνεται από τις χαρακτηριστικές πινελιές με τις οποίες ο ζωγράφος χρησιμοποιεί το χρώμα για να μοντελοποιήσει τους όγκους και να παραμορφώσει τα σώματα για να αποτυπώσει την πνευματική λαχτάρα του χαρακτήρα. Ο Ελ Γκρέκο ζωγραφίζει τα μάτια του Χριστού με δραματικά και υπερβολικά δάκρυα μέσα τους. Τα μάτια του είναι το βασικό στοιχείο του πίνακα καθώς εκφράζουν πολλά συναισθήματα.
Υπάρχει μια λεπτή αντίθεση μεταξύ των στιβαρών ώμων του και της θηλυκής ομορφιάς των χεριών του. Ωστόσο, δεν υπάρχουν σημάδια πόνου στο πρόσωπό του. Ακριβώς όπως και τα χέρια δεν εκφράζουν αγωνία ή προσπάθεια να σηκώσουν τον σταυρό. Ο Ελ Γκρέκο μετέτρεψε την εικόνα του Χριστού που καταβεβλημένος και με πόνο από τον βαρύ σταυρό σε μια εικόνα που είναι ήρεμη και έτοιμη να αντιμετωπίσει το πεπρωμένο του. Η γαλήνη του Χριστού μπροστά στη θυσία του καλεί τον θεατή να αποδεχτεί το δικό του πεπρωμένο σε στιγμές φόβου και αμφιβολίας.
Χριστός Εσταυρωμένος – Ντιέγκο Βελάσκεθ
Αυτή η έντονα ισχυρή εικόνα του Ιησού πάνω στο σταυρό ζωγραφίστηκε κατά τη διάρκεια της δημιουργικής περιόδου που ακολούθησε το πρώτο ταξίδι του Βελάσκεθ στην Ιταλία. Σε αντίθεση με τα άλλα ανδρικά γυμνά του που εμφανίστηκαν σε πίνακες όπως ο Απόλλων στο Σφυρηλατημένο Βουλκάνιο και Ο χιτώνας του Ιωσήφ, ο Χριστός πάνω στον Σταυρό του είναι ένα νεκρό ή ετοιμοθάνατο σώμα. που δεν συνοδεύεται από άλλα αφηγηματικά στοιχεία εκτός από τον ίδιο τον σταυρό. Παρ’ όλα αυτά, ο καλλιτέχνης καταφέρνει να προικίσει το έργο με μεγάλη αξιοπρέπεια και γαλήνη.
Το έργο πιστεύεται ότι αποτέλεσε παραγγελία για το σκευοφυλάκιο της Μονής του San Plácido, η αυστηρή στάση του Εσταυρωμένου Χριστού παρουσιάζει τέσσερα καρφιά, τα πόδια μαζί και προφανώς υποστηρίζεται από ένα μικρό ξύλινο περβάζι, επιτρέποντας στα χέρια να σχηματίζουν μια λεπτή καμπύλη, αντί για τρίγωνο. Το κεφάλι στεφανώνεται από φωτοστέφανο, ενώ το πρόσωπο στηρίζεται στο στήθος, επιτρέποντάς μας να δούμε τα χαρακτηριστικά του. Τα ίσια και λεία μαλλιά του κρέμονται πάνω από τη δεξιά πλευρά του προσώπου του, ενώ η πλάτη του σημαδεύεται από το αίμα που στάζει από την πληγή στη δεξιά πλευρά του.
Η εικόνα είναι ασυνήθιστα αυτοβιογραφική με την έννοια ότι απεικονίζει όλες τις σημαντικές επιρροές στη ζωγραφική του Velázquez. Αρχικά, θυμίζει τον κατανυκτικό τόνο και την εικονογραφία των πινάκων που απορρόφησε κατά τα πρώτα χρόνια της ζωής του στη Σεβίλλη υπό τον Francisco Pacheco, ενεργό μέλος της ισπανικής Ιεράς Εξέτασης. Δεύτερον, αντανακλά την ικανότητά του στη ζωγραφική των μορφών που απέκτησε στην Ισπανία από τη μελέτη των καλλιτεχνών της ισπανικής Αναγέννησης και, στην Ιταλία, από την τέχνη της κλασικής αρχαιότητας, την τέχνη της Υψηλής Αναγέννησης στη Ρώμη και τη Βενετία και τα έργα του Καραβάτζιο στη Ρώμη και τη Νάπολη.
Η επιρροή του κλασικισμού στο έργο είναι εμφανής στη γενική ηρεμία του σώματος και στην εξιδανικευμένη στάση του. Η επιρροή του Καραβαγγισμού είναι εμφανής στον δραματικό τενεμπρισμός (η ιδιαίτερη φωτοσκίαση (κιαρασκούρο)) που επικεντρώνει όλη την προσοχή στο χλωμό σώμα του Χριστού. Είναι αλήθεια ότι η εικόνα δεν έχει τη χαρακτηριστική δραματικότητα της μπαρόκ ζωγραφικής, η οποία παρατηρείται σε θρησκευτικά έργα όπως η Σταύρωση του Αγίου Πέτρου ή η Κάθοδος από τον Σταυρό. Αντιθέτως, διαθέτει μια μνημειακή γλυπτική ποιότητα που την εξυψώνει, σύμφωνα με την πνευματικότητα του θέματος. Η σύνθεση είναι απολύτως απλή, αλλά με έντονη αντίθεση μεταξύ του λευκού σώματος και του σκούρου φόντου, και υπάρχει νατουραλισμός στον τρόπο με τον οποίο το κεφάλι του Χριστού πέφτει στο στήθος του. Τα μπερδεμένα μαλλιά είναι ζωγραφισμένα με τη χαλαρότητα που ο Βελάσκεθ είχε δει και θαυμάσει από πρώτο χέρι σε παραδείγματα βενετσιάνικης ζωγραφικής.
Ο Βελάσκεθ απέκτησε τη φήμη ενός από τους καλύτερους προσωπογράφους στην Ισπανία, έγινε ο επίσημος ζωγράφος του Φιλίππου Δ’ (που βασίλευσε από το 1621 έως το 1640) και τελικά ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της ισπανικής ζωγραφικής της περιόδου του μπαρόκ. Ωστόσο, παρά το γεγονός ότι η θρησκευτική τέχνη ήταν ιδιαίτερα σημαντική στην Ισπανία, μια χώρα της οποίας η κυρίαρχη μοναρχία υπερηφανευόταν ότι ήταν ένας από τους κύριους προστάτες της καθολικής τέχνης της Αντιμεταρρύθμισης, ο Βελάσκεθ ζωγράφισε συγκριτικά λίγους αξιόλογους θρησκευτικούς πίνακες.
Αντ’ αυτού, ο καλλιτέχνης ζωγράφιζε τον κόσμο που έβλεπε γύρω του, ειδικευόμενος στην τέχνη των πορτραίτων, σε κάποια ζωγραφική είδους (νεκρές φύσεις) και σε μερικούς ιστορικούς πίνακες. Κατά ειρωνικό τρόπο, δεδομένης της σπανιότητας των θρησκευτικών έργων του, επηρεάστηκε περισσότερο από τον Καραβάτζιο, ο οποίος ξεχωρίζει κυρίως για τη βιβλική του τέχνη, εκτελεσμένη σε επιθετικά ρεαλιστικό ύφος. Ο Βελάσκεθ επηρεάστηκε επίσης έντονα από τις ιδέες της ιταλικής Αναγέννησης που έλαβε από τον δάσκαλό του από τη Σεβίλλη, τον Φρανσίσκο Πατσέκο.
Ο Χριστός μεταφέρει το σταυρό – Τιτσιάνο
Γύρω στο έτος 1508 ή 1509, ο Τιτσιάνο ζωγράφισε ένα έργο ελαιογραφίας γνωστό ως «Ο Χριστός μεταφέρει τον Σταυρό». Η πραγματική προέλευση του πίνακα είναι κάπως μυστηριώδης και μάλιστα αρκετοί ιστορικοί της τέχνης τον έχουν κατά καιρούς αποδώσει σε έναν άλλο Ιταλό ζωγράφο, τον Τζορτζιόνε. Και οι δύο ζωγράφοι ανήκαν σε μια συντεχνία καλλιτεχνών που συνδεόταν με τη σχολή και την εκκλησία, και οι δύο έδρασαν στον ίδιο χρόνο και τόπο, και είναι πιθανό ότι το έργο ζωγραφίστηκε ρητά για το ίδρυμα. Ένα άλλο μυστήριο σχετικά με την ελαιογραφία είναι ότι λέγεται ότι είχε θαυματουργές θεραπευτικές ικανότητες, κάτι για το οποίο έχουν γραφτεί πολλές ιστορικές αναφορές. Προσκυνητές προσεύχονταν στην εκκλησία στο σημείο όπου κρεμόταν ο πίνακας και ανέφεραν ότι είχαν θεραπευτεί από ασθένειες.
Η συνολική διάθεση του έργου είναι ζοφερή και σκοτεινή. Τα πιο φωτεινά χρώματα είναι οι υποτονικοί σαρκικοί τόνοι και η παλέτα κυριαρχείται από διάφορες αποχρώσεις του καφέ. Σε ένα σχεδόν μαύρο φόντο, ο Χριστός εμφανίζεται σε προφίλ, κρατώντας τον σταυρό στον ώμο του. Καθώς κοιτάζει προς τα αριστερά, ένας δήμιος που μοιάζει θυμωμένος σφίγγει ένα σχοινί γύρω από το λαιμό του και μια άλλη μορφή λίγο πίσω από τον δήμιο κοιτάζει προς τα μέσα πίσω από τη σκηνή. Η σύνθεση έχει ένα πρωτοποριακό για την εποχή στυλ, μια κοντινή άποψη που αποφεύγει την προοπτική και το βάθος προς όφελος της οικειότητας και της λεπτομέρειας. Χαρακτηριστικό του Τιτσιάνο, ο πίνακας είναι γεμάτος δράση και η ανάπαυση μοιάζει μακρινή για τους εικονιζόμενους χαρακτήρες.
Salvator Mundi – Λεονάρντο Ντα Βίντσι
Αρχικά θεωρήθηκε ότι ο Λεονάρντο ντα Βίντσι ζωγράφισε τον Salvator Mundi για τον βασιλιά Λουδοβίκο ΧΙΙ της Γαλλίας και τη σύζυγό του, Άννα της Βρετάνης. Σήμερα οι ειδικοί αμφισβητούν την απόδοση του πίνακα στον Ιταλό δάσκαλο, παρά το γεγονός ότι πωλήθηκε σε δημοπρασία τον Νοέμβριο του 2017 έναντι 450.312.500 δολαρίων, τιμή ρεκόρ για έργο τέχνης.
Οι Μαθητές της Εμμαούς – Καραβάτζιο
Αυτό το έργο του δασκάλου Καραβάτζιο είναι επίσης γνωστό ως Το προσκύνημα του Κυρίου μας στην Εμμαούς ή απλώς Ο Δείπνος στην Εμμαούς. Ο πίνακας δείχνει τη στιγμή που οι δύο απόστολοι που τον συνοδεύουν συνειδητοποιούν ότι αυτός που τους μιλούσε όλη την ημέρα ήταν ο αγαπημένος τους δάσκαλος. Ζωγραφισμένος στο απόγειο της φήμης του καλλιτέχνη, Ο Δείπνος των Μαθητών της Εμμαούς είναι ένας από τους πιο εντυπωσιακούς θρησκευτικούς πίνακες στην ιστορία της τέχνης. Σε αυτόν τον πίνακα, ο Καραβάτζιο αποτυπώνει έξοχα τη δραματική κορύφωση της στιγμής, το ακριβές δευτερόλεπτο που οι μαθητές καταλαβαίνουν ξαφνικά ποιος ήταν μπροστά τους από την αρχή. Οι φυσικές τους ενέργειες και αντιδράσεις μεταφέρουν τη δραματική τους έκπληξη: ο ένας είναι έτοιμος να πηδήξει από την καρέκλα του, ενώ ο άλλος απλώνει τα χέρια του σε μια χειρονομία δυσπιστίας. Ο ωμός φωτισμός υπογραμμίζει την ένταση της όλης σκηνής.
Στο έργο, ο Καραβάτζιο απεικονίζει τους μαθητές ως συνηθισμένους εργάτες, με γενειοφόρα, ρυτιδιασμένα πρόσωπα και κουρελιασμένα ρούχα, σε αντίθεση με τον νεαρό, ξυρισμένο Χριστό, ο οποίος μοιάζει να έχει έρθει από έναν διαφορετικό κόσμο. Σε διάφορα σημεία κρύβονται κάποια μυστικά. Στο έργο ο καλλιτέχνης έκρυψε, για παράδειγμα, ένα πασχαλινό αυγό. Η σκιά που ρίχνει το καλάθι με τα φρούτα πάνω στο τραπέζι φαίνεται επίσης να απεικονίζει ένα ψάρι, το οποίο θα μπορούσε να είναι ένας υπαινιγμός στο μεγάλο θαύμα.
Και υπάρχουν κι άλλοι κρυμμένοι θησαυροί σε αυτό το αριστούργημα. Μερικές φορές, ένα ελάττωμα δεν είναι καθόλου ελάττωμα, αλλά ένα δείγμα ιδιοφυΐας. Πάρτε, για παράδειγμα, την υφαντή υφή του καλαθιού από λυγαριά που ακροβατεί στην άκρη του τραπεζιού στο κέντρο του πίνακα. Αν και αμέτρητα μάτια έχουν θαυμάσει το μυστηριώδες δράμα που εκτυλίσσεται στο σκιερό εσωτερικό αυτού του πανδοχείου, η σημασία μιας σχεδόν ανεπαίσθητης ατέλειας πέρασε απαρατήρητη μέσα στους αιώνες μέχρι σήμερα. Ένα χαλαρό κλαδί, που προεξέχει από την πλέξη της λυγαριάς, μετατρέπει τον διάσημο καμβά του Καραβάτζιο σε μια τολμηρή πράξη, μια πνευματική πρόκληση για τον παρατηρητή.
Για να εκτιμήσουμε όλες τις συνέπειες αυτής της μικρής λεπτομέρειας, αξίζει να θυμηθούμε το περίγραμμα της γενικής ατμόσφαιρας που ο Καραβάτζιο προκαλούσε στο έργο του. Το θέμα του Δείπνου στον Εμμαό είναι κάτι που ενέπνευσε μεγάλους δασκάλους στην ιστορία, από τον Ρέμπραντ έως τον Βελάσκεθ. Η στιγμή – κλειδί εξιστορείται στο Ευαγγέλιο του Λουκά στην Καινή Διαθήκη. Εκεί εξιστορείται η ιστορία του οικείου γεύματος του Χριστού με τους δύο μαθητές, τον Λουκά και τον Κλεόπα, οι οποίοι δεν γνωρίζουν την πραγματική ταυτότητα του συντρόφου τους. Στον πίνακα, ο άρτος έχει ήδη κοπεί και ευλογηθεί και έχει έρθει η στιγμή, σύμφωνα με την αφήγηση του Ευαγγελίου, να «ανοίξει» ο Χριστός τα μάτια των ακολούθων του και να εξαφανιστεί «από τα μάτια τους».
Το αριστούργημα αποτυπώνει ένα μυστικιστικό κατώφλι μεταξύ σκιών και φωτός, το μαγικό δευτερόλεπτο πριν ο Χριστός, ο οποίος περιβάλλεται από τη σιλουέτα ενός ξένου πίσω του, εξαφανιστεί από τον κόσμο. Σε αυτή την ανυπολόγιστη στιγμή ανάμεσα στην αποκάλυψη και την εξαφάνιση, ο Καραβάτζιο υφαίνει την πλοκή του, την αριστουργηματική συνάντηση μεταξύ δύο κόσμων. Όταν αποκαλύπτεται η αλήθεια, ο Κλεόπας, σηκώνεται από την καρέκλα του, κυριευμένος από πανικό και κατάπληξη για την αποκάλυψη: οι αγκώνες του υψώνονται δυναμικά μέσα από τα μανίκια του παλτού του. Από την άλλη πλευρά της ψάθινης φρουτιέρας, στα δεξιά, ο Λουκάς ανοίγει τα χέρια του διάπλατα σαν να διεκδικεί το απίθανο της σκηνής, σχεδιάζοντας την ίδια στάση στο σταυρό τη στιγμή του οδυνηρού θανάτου του. Εν τω μεταξύ, ο πανδοχέας παραμένει απαθής, παρατηρεί χωρίς να καταλαβαίνει καθώς ακούει τα λόγια που είπε ο Χριστός στους έκπληκτους μαθητές του, αδυνατώντας να κατανοήσει τη σημασία μιας στιγμής μνημειώδους για την ανθρωπότητα. Οι Μαθητές της Εμμαούς κατατάσσεται στο νούμερο 82 του καταλόγου των διάσημων πινάκων ζωγραφικής
Χριστός Παντοκράτορας
Ο Χριστός Παντοκράτορας είναι ένας ζωγραφισμένος ξύλινος πίνακας που χρονολογείται από τον 6ο αιώνα από το μοναστήρι της Αγίας Αικατερίνης που βρίσκεται στο Σινά της Αιγύπτου. Ο πίνακας αυτός θεωρείται μία από τις παλαιότερες βυζαντινές θρησκευτικές εικόνες και είναι το παλαιότερο γνωστό έργο σε στυλ Παντοκράτορα. Ο ζωγραφισμένος πίνακας έχει ύψος 84 cm, πλάτος 45,5 cm και βάθος 1,2 cm. Πιστεύεται ότι ο πίνακας ήταν αρχικά μεγαλύτερος, αλλά κόπηκε στην κορυφή και στις πλευρές για να προκύψουν οι σημερινές διαστάσεις. Το έργο απεικονίζει τον Χριστό ντυμένο με πορφυρό χιτώνα, ένα χρώμα που συνήθως επιλέγεται για να αντιπροσωπεύει τους αυτοκράτορες και τους βασιλείς. Αυτή η επιλογή του χρώματος για τον χιτώνα του αποτελεί σύμβολο της θέσης και της σημασίας του. Ο Χριστός απεικονίζεται να υψώνει το αριστερό του χέρι σε ένδειξη ευλογίας και να κρατά στο δεξί του ένα βιβλίο.
Μπορούμε να υποθέσουμε ότι αυτό το βιβλίο είναι πιθανώς ένα Ευαγγέλιο, επειδή είναι διακοσμημένο με κοσμήματα σε σχήμα σταυρού. Ο πίνακας είναι σκόπιμα ασύμμετρος για να συμβολίζει τη διπλή φύση του Χριστού. Η αριστερή πλευρά του Χριστού συμβολίζει την ανθρώπινη φύση του με τα χαρακτηριστικά του να αναπαρίστανται πολύ πιο μαλακά και ελαφριά. Ενώ η δεξιά πλευρά του Χριστού συμβολίζει τη θεότητά του με το αυστηρό βλέμμα και τα έντονα χαρακτηριστικά του. Τα ίδια τα μάτια είναι διαφορετικά σε σχήμα και μέγεθος, καθώς και τα μαλλιά στην αριστερή πλευρά του που είναι μαζεμένα πίσω από τον ώμο του.
Είναι μια από τις σημαντικότερες χριστιανικές εικόνες. Η εικόνα αυτή απεικονίζει τον Ιησού ως τον κυρίαρχο κυβερνήτη του κόσμου. Ο Χριστός Παντοκράτορας ήταν μία από τις πρώτες εικόνες του Ιησού και εμφανίζεται σε περίοπτη θέση σε βραχώδεις εκκλησίες. Η λέξη Pantocrator σημαίνει «Παντοκράτορας». Στην ελληνική έκδοση της Παλαιάς Διαθήκης (LXX), η λέξη Παντοκράτορας είναι η μετάφραση των λέξεων «Κύριος των Στρατευμάτων» και «Παντοδύναμος Θεός». Στο βιβλίο της Αποκάλυψης, ο Παντοκράτορας εμφανίζεται εννέα φορές ως τίτλος που τονίζει την κυριαρχία και τη δύναμη του Θεού.
Η εικόνα του Χριστού Παντοκράτορα τονίζει την παντοδυναμία του Ιησού, τη δύναμή του να κάνει τα πάντα. Ο Ιησούς είναι ο «Κυβερνήτης των πάντων» που κατέχει τα πάντα. Ο συμβολισμός του Χριστού Παντοκράτορα είναι εμπνευσμένος από τη ρωμαϊκή αυτοκρατορική απεικόνιση για να προβάλει την κυρίαρχη εξουσία του. Οι πρώτοι Χριστιανοί χρησιμοποίησαν πολιτιστικά σύμβολα για να διακηρύξουν την κυρίαρχη δύναμη του αναστημένου Χριστού. Επιπλέον, η θέση του Χριστού Παντοκράτορα στην αψίδα (ο μπροστινός τοίχος του ιερού) έχει επίσης θεολογική σημασία. Οι βυζαντινές εκκλησίες είχαν το πρότυπο της ρωμαϊκής βασιλικής, του θαλάμου του βασιλιά για να γίνεται η αυλή. Η αψίδα ήταν η έδρα της εξουσίας όπου καθόταν ο κυβερνών αξιωματούχος. Η τοποθέτηση του Ιησού στην αψίδα δηλώνει ότι είναι ο νόμιμος κυβερνήτης και κυρίαρχος δικαστής όλων.
Οι χριστιανοί άρχισαν να αναπαριστούν οπτικά τον Ιησού στα τέλη της δεκαετίας του 300, μόλις έπαψε να υφίσταται η απειλή των διωγμών. Αυτές οι πρώιμες εικόνες παρουσιάζουν τον Ιησού ως μια στωική φιγούρα που κάθεται σε θρόνο με έναν πάπυρο. Μέχρι το 600, ο Χριστός Παντοκράτορας εμφανίστηκε ως απλοποίηση αυτής της πρώιμης εικόνας. Η εμφάνιση του Χριστού Παντοκράτορα δεν έχει αλλάξει σχεδόν καθόλου τα τελευταία 1.500 χρόνια. Οι περισσότερες από τις πρώιμες εικόνες του Ιησού καταστράφηκαν κατά τη διάρκεια της εικονομαχικής διαμάχης.
Χριστός του Αγίου Ιωάννη του Σταυρού – Σαλβαντόρ Νταλί
Με διαφορά, το πιο δημοφιλές από όλα τα θρησκευτικά έργα του Νταλί είναι αναμφίβολα ο Χριστός του Αγίου Ιωάννη του Σταυρού, η μορφή του οποίου δεσπόζει στον κόλπο του Port Lligat. Ο πίνακας είναι εμπνευσμένος από ένα σχέδιο, που σώζεται στη Μονή της Ενσάρκωσης στην Αβίλα της Ισπανίας, το οποίο φιλοτέχνησε ο ίδιος ο Άγιος Ιωάννης του Σταυρού αφού είδε αυτό το όραμα του Χριστού κατά τη διάρκεια μιας έκστασης. Οι άνθρωποι δίπλα στη βάρκα προέρχονται από έναν πίνακα του Le Nain και ένα σχέδιο του Diego Velázquez για την Παράδοση της Μπρέντα.
Στο κάτω μέρος των μελετών του για τον Χριστό, ο Νταλί έγραψε: «Κατ’ αρχάς, το 1951, είδα ένα κοσμικό όνειρο στο οποίο είδα αυτή την εικόνα σε χρώμα και η οποία στο όνειρό μου αντιπροσώπευε τον πυρήνα του ατόμου. Αυτός ο πυρήνας απέκτησε μια μεταφυσική σημασία: Θεωρούσα τον Χριστό ως «την ίδια την ενότητα του σύμπαντος»! Δεύτερον, χάρη στις οδηγίες του πατέρα Μπρούνο, ενός Καρμελίτη, είδα τον Χριστό ζωγραφισμένο από τον Άγιο Ιωάννη του Σταυρού, επεξεργάστηκα γεωμετρικά ένα τρίγωνο και έναν κύκλο που συνόψιζε αισθητικά όλα τα προηγούμενα πειράματά μου και έγραψα τον Χριστό μου σε αυτό το τρίγωνο». Το έργο αυτό θεωρήθηκε κοινότυπο από έναν σημαντικό κριτικό τέχνης όταν πρωτοεκτέθηκε στο Λονδίνο.
Ο πίνακας ήταν μία από τις πιο αμφιλεγόμενες αγορές που έκανε ο δρ Τομ Χόνεϊμαν, τότε διευθυντής των Μουσείων της Γλασκώβης. Σήμερα αναγνωρίζεται ευρέως ότι ο Dr. Honeyman πήρε μια πολύ έξυπνη απόφαση όταν πρότεινε στην τότε Εταιρεία της Γλασκώβης να αγοράσει η πόλη τον πίνακα. Ο Honeyman όχι μόνο απέκτησε τον πίνακα σε τιμή χαμηλότερη από την τιμή του καταλόγου, αλλά αγόρασε επίσης τα πνευματικά δικαιώματα του έργου από τον Salvador Dalí, εξασφαλίζοντας έτσι μια μακροπρόθεσμη κληρονομιά από την αγορά.
Ωστόσο, αρχικά, ο πίνακας δεν έτυχε καλής υποδοχής από όλους και οι φοιτητές της Σχολής Καλών Τεχνών της Γλασκώβης υποστήριξαν ότι τα χρήματα θα μπορούσαν να είχαν χρησιμοποιηθεί για την αγορά έργων Σκωτσέζων ή καλλιτεχνών της Γλασκώβης. Μετά την έκθεσή του στο Kelvingrove το 1952, ο Νταλί προσέλκυσε τεράστιο πλήθος κόσμου. Ο πίνακας που βρίσκεται στη συλλογή των Μουσείων της Γλασκώβης είχε και απρόοπτα, καθώς έχει υποστεί δύο φορές ζημιές, με πιο γνωστή τη στιγμή που ο καμβάς σκίστηκε σοβαρά από έναν επισκέπτη που κρατούσε μια αιχμηρή πέτρα. Οι συντηρητές του Kelvingrove κατάφεραν να επισκευάσουν τον πίνακα σε σημείο που η ζημιά είναι πλέον ελάχιστα ορατή. Περισσότερα από 60 χρόνια μετά την αρχική αγορά του, η διαρκή γοητεία του πίνακα δεν δείχνει σημάδια μείωσης και αποτελεί πλέον ένα από τα πιο δημοφιλή εκθέματα του μουσείου.
